现实主义绘画大师是谁?

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巴勃罗·鲁伊斯·毕加索(1881—1973),是20世纪最有创造性和最有影响的西班牙艺术家,著名的现实主义绘画大师。

毕加索出生于西班牙南部安达卢西亚的马拉加梅塞特。父亲朱安·鲁伊斯·布拉斯科是本地圣·特尔莫美术学校的教师,后来又担任过市政厅里的美术馆馆长。毕加索从小就表现出极高的美术天赋。他学说的第一句话是“毕斯、毕斯”,毕斯是拉毕斯的简称,意思是铅笔。

1891年,毕加索全家迁到拉·科罗涅。毕加索就在当地小学读书,学习成绩很不好,但却极为喜欢绘画。有一次布拉斯科为了完成他的鸽群图任务而感到苦闷,就把工作交给了儿子。当他回来看到已经画好的鸽子栩栩如生,布拉斯科惊呆了,立刻把自己的画笔、调色板及颜料送给儿子,发誓从此不再作画。此时毕加索只有14岁。以后,布拉斯科尽全力教育毕加索,正是这种扎实的训练,为毕加索打下了坚实的绘画基础。1895年,布拉斯科到巴塞罗那的拉·隆贾美术学校任教,于是毕加索全家迁居到巴塞罗那。此后,毕加索以优异成绩考入巴塞罗那美术学校,随父亲学习绘画。

1897年,毕加索创作了一幅名叫《科学与仁慈》的画,结构严谨,形象生动,在马德里美术展览会上获得好评,并在马拉加展览会上荣获了一枚金质奖章。这年冬天,毕加索来到马德里应试。在考绘画时,他仅用一天就完成了别人一个月才完成的绘画,而且成绩优异。于是毕加索进入圣·费尔南多皇家美术学院高级班就读。但是学校因循守旧的学习方法,使天资聪颖的毕加索十分厌恶这样的学校教育。第二年春,毕加索染上了猩红热病,不得不返回巴塞罗那养病。养病期间,一位朋友邀请他到荷尔坦·德·圣·朱昂旅游。在朱昂,一切都令他着迷:五彩缤纷的大自然以及与大自然作斗争的农民。他为此画了一些素描、景物画。另外,他的精神也得到了彻底解放,个性也受到锻炼。1899年春,毕加索回到了巴塞罗那,经常到艺术家云集的“四猫咖啡馆”去。在咖啡馆里,他画了一些漫画、肖像。他的第一幅素描刊登在《朱旺蒂》杂志上,是为诗人布列特曼诗集所绘插图。另外,他还为诗集《是与否》画了素描,风格近似北欧象征主义。

蓝色时期(1900——1904):当毕加索在巴塞罗那的探索感到厌倦时,就邀请画家卡扎热马斯一起到巴黎去。在巴黎,他们访遍了咖啡馆、博物馆、剧院,对德加、凡·高、高更、土鲁斯一劳特累克等绘画大师的作品非常赞赏。毕加索还和另一个工业家签订了购画合同。从此,毕加索就成了一个独立的艺术家。

1901年3月,毕加索在巴黎举办了首次画展,象征主义画派但毫无收获,未得到公众的欢迎,这一年毕加索过着极度贫困生活。冬天为了取暖,甚至用粉笔和素描画生火来取暖。毕加索在西班牙住了一年多,画了许多优秀作品,如《人生》(1903年)、《老吉他手》(1903年)、《熨衣的女人》、《盲人用膳》等。这一时期作品大多以穷苦饥饿的人为模特,形式上是静止的、悲剧性的,蓝色调更加强了灾难和不幸、失望和孤单。并且夸张的盲人形象经常出现。这表现了毕加索在追求一种新的造型风格,并逐渐走出学院派的影响,但是还未能发现自己的个性。

粉红色时期(1904——1906):1904年4月,毕加索动身来到了巴黎,住在了阿维农街13号——“涤舱”,即现在埃米尔一戈多广场。这个地方曾经住过很多著名艺术家,如高更等。在这里,毕加索结识了他的第一个情人——费尔南黛·奥利维埃,一个美术学院女学生。

在涤舱,毕加索的工作室成了法国和西班牙艺术家们聚会的场所,马蒂斯、洛朗、杜菲、马尔库西等艺术家以及作家阿波里纳尔都是常客。在这种文化创新的气氛下,毕加索受到很大熏陶。他这一时期作品题材以描写马戏团生活为主,绘画形象虽然还留有蓝色时期的忧郁,但让人看起来并不孤寂,如《卖艺人的一家》(1905年)、《站在球上的少女》(1905年)。

黑人时期(1907—1909):1904年,毕加索结识了美国女作家格斯鲁德·斯坦因,并和她结成了好朋友。毕加索在为斯坦国画像时,细心研究了伊比利亚铜雕以及非洲黑人艺术,从中得到启发,再加上印象派绘画大师塞尚及格列柯等人的影响,毕加索先后创作了《亚威农少女》、《荷尔坦·德·埃勃罗》。在这些画中,毕加索表现了一种原始的艺术,以疯狂的破坏者面目出现。表明毕加索已经超越了自然主义者的界限,超越了绘画大师库尔贝和写实主义绘画的实证主义基础。但毕加索的创作引起了朋友们的议论,几乎被全部否定。马蒂斯认为《亚威农少女》这幅画是一种对艺术的暴行,企图嘲笑现代运动。

但随着时间的推移,毕加索的朋友们都先后承认这幅画有独到之处,认为这不仅是毕加索一生的转折点,而且是现代运动的一个新时期的开端。

立体主义时期(1909—1925):1907年的《亚威农少女》被认为是立体主义绘画而受到嘲讽。但是不到10年,立体派就影响深远,不但在绘画上,而且在其他艺术领域也得到了充分发展。立体派对艺术作用的基本概念提出了挑战,把艺术从唯心主义泥坑里拯救出来,使艺术摆脱了仅仅为创造美这一目的。

1912年,毕加索遇到雕刻家马尔库西太太亨贝尔,两人一见钟情,私奔到拉斯贝尔定居。在这里,毕加索开始研究各种技法,创造了综合立体主义画风。

1917年,毕加索和俄罗斯芭蕾舞团合作,为演唱会设计服装。在芭蕾舞团他结识了女舞蹈演员奥尔伽·柯克洛娃。第二年,他们在西班牙结婚。他和俄罗斯芭蕾舞团合作到1924年。1920年,他为斯特拉文斯基《皮尔西佰拉》绘制的布景、服装,因显示出一种极为奇特的戏剧结果,而备受重视。在实践立体主义的同时,毕加索也在探索新古典主义,作品有《扮作滑稽角色的保罗》、《扶手椅中的奥尔伽》。

1924年,安德烈·勃雷东的超现实主义运动兴起。1925年,毕加索参加了在比埃尔画廊举行的第一次超现实主义画展,其中,《三个舞蹈家》就是毕加索这一时期作品。不过,毕加索不承认自己是一个超现实主义者。

1930年,毕加索又专攻雕塑,创作了《头像》(1931年)、《女人头像》(1932年)、《女人与苹果》(1934年)。

1936年,西班牙内战爆发。1937年,毕加索为抗议德国纳粹空军狂轰滥炸格尔尼卡市而创作了巨幅油画《格尔尼卡》(350.5厘米×782.3厘米)。在这幅油画上,我们可以看到一头惊慌失措的公牛向远处凝视;画面上部的太阳里面装入一个灯泡;在画面中部的马高高昂起头,表示出反抗的样子;画中最感人的是四个妇女。一个妇女从着了火的房子里跳下,向上伸出双臂和脖子,表现出她所处绝望的真实处境。还有一个妇女半裸着身体,惊慌失措地从房中跑出来,她的双脚生动地表现了她多么需要依附大地。从这些对妇女不幸及痛苦的马生动的勾画上,我们能够看到战争带来的灾难,另外画中也表现出了对最后胜利的大胆展望。

法国沦陷后,毕加索仍留在巴黎。尽管纳粹分子称他为“颓废艺术家”,但毕加索仍坚持画画,反映出自己孤寂不自由的悲伤心情。这一段时期的画有《梳头的女人》(1940年)、《有牛颅骨的静物》等。

1944年8月25日,巴黎解放,毕加索同年加入了。他宣称:“我加入是我全部生活的必然结果……我不是简单地认为绘画仅是供人取乐和消遣的艺术,我愿通过作为我武器的素描和色彩,永远深深地渗透到人们意识中去。以便使这种认识有朝一日把我们引到解放的道路上去……”

1945年,毕加索受到版画家费尔南黛·穆尔洛鼓励,开始创作石版画。为他做模特儿的弗朗索瓦丝·姬洛激发了他的艺术天才,画了《女人一花》(1946年)、《生命的欢乐》等。不久,毕加索与姬洛相结合,但到1953年,他们又分开了。

1947年,毕加索在瓦洛里受艺术家普桑的《萨比尼的掠夺》一画启示,开始从事陶器制作。他极为用功,仅一年时间就制作了600多件陶器。1948年展出了其中的150件,他的陶器大都变形,形状有鸽子、女人、秃鹰等。

1949年,巴黎世界和平大会委托毕加索创作素描《白鸽》,以作为全世界和平的象征。1950年,朝鲜战争爆发,毕加索从人道主义出发,画了《朝鲜的屠杀》来谴责西方列强的侵略。1952年,他又创作了大型油画《战争与和平》。1953年11月—1954年2月,他画了一些自我剖析的作品。1959年7月—1960年6月,穆纳里他画了《皮卡多的史诗》。接近暮年的毕加索,虽然已经取得了世界声誉,但仍孜孜不倦,勤奋工作。他在85—90岁时,画了三组新异的素描,以神话、马戏团、饮酒作乐等为题材。

1973年4月8日,一颗艺术巨星陨落了。毕加索死后葬在伏威奇尔格别墅入口处。从这里,可以看到不远处风景秀丽的圣维克多山。

脱贫攻坚的精神动力艺术创新的精品力作

今年3月上旬以来,一部实景原创话剧《红手印》在自治区城乡迅速窜红。在呼和浩特市、锡林郭勒盟和呼伦贝尔、通辽、乌兰察布城乡巡演,每到一地便引发一片《红手印》热,人们发自肺腑的议论、赞叹,这部主题思想鲜明、艺术精湛的话剧,成了时下我区文艺战线一道亮丽的风景。

这部话剧由自治区党委宣传部、自治区文旅厅和内蒙古民族艺术剧院共同打造,以真人真事为基本素材,经过艺术创作,再现了各级干部和广大员在脱贫攻坚第一线拼搏奋斗的故事,讴歌了扶贫干部不忘初心、勇于担当、任劳任怨的奉献精神。近日,记者悉心梳理了这部话剧巡演以来的热烈反响,以及专家学者、广大群众的真诚评价,与关心“彩虹”专版的同志一起分享这部精品力作的思想价值、艺术成就和创作经验,为推进我区扶贫攻坚和文艺繁荣尽一份责任。

2014年10月,习总书记在文艺工作座谈会上的讲话中指出:“文艺是铸造灵魂的工程,文艺工作者是灵魂工程师,好的文艺作品就应该像蓝天上的阳光,春季里的清风一样,能够启迪思想,温润心灵,陶冶人生,能够扫除颓废萎靡之风。”以现实生活为题材创作文艺作品,就是广大文艺工作者践行总书记谆谆教诲的最好实践。《红手印》从题材选择到精心研创,再到完美呈现,就是一次文艺鼓舞人心、激励斗志的成功实践。

我们先听听专家学者对《红手印》的点评。文艺评论家奥奇撰文认为,精准脱贫是习同志在党的十九大报告中提出的“要坚决打好防范化解重大风险、精准脱贫、污染防治的攻坚战”中三大战役的一项战役,而用舞台艺术作品反映这一题材,话剧《红手印》无疑是在唱响了时代的主旋律。主旋律的作品要想达到潜移默化的教化作用,艺术创新的动力必须调动起各种艺术手段,凭借作品所产生的艺术效果和感染力,为广大群众所喜闻乐见,才能达到这种目的。话剧《红手印》就是用艺术表现来打动人心而产生效果的。

由演出实践检验出来的效果也证实了这一点。到6月底,《红手印》在全区各盟市旗县以及苏木镇嘎查村演出120多场。每一场演出都吸引了当地群众的热情参与,每一次落幕,都是经久不息的掌声,都是交口称赞的热议。在察右中旗广益隆镇和巴音镇水泉村演出后,观看的男女老少久久不肯离去。一位村干部告诉记者:“剧中主人公解国良的原型,就是在我旗扶贫的自治区党史办解良同志,他担任阿令朝村以来,用真心面对村民、村干部的误解和生疑,克服常人难以克服的种种难题,不辞劳苦、因地制宜、科学规划,终于带领群众走上产业脱贫的路子。看了话剧,我们更感到扶贫干部真不容易。他们的崇高品德和奉献精神,就是我们学习的现实榜样。有了党中央的好政策,有派驻到我们身边的好干部,我们的信心更足了。”

文化扶贫是扶志扶本的重大举措,用文艺作品去鼓舞人、团结人,增强人的自信,振奋人的精神,是文化扶贫的重要组成部分。光明日报记者在报道这一文化行动中,有这样的描述:“一幕幕感人的场景令人振奋,也让人动容,既发挥了文艺作品在脱贫攻坚中‘扶志’与‘扶智’的独特作用,又表达了‘幸福生活,是奋斗出来的’这样朴素的道理。阿令朝村的成功实践告诉观众,精准扶贫关键在于‘精准’,要从当地实际出发,因地制宜,挖掘当地资源、找好着力点,依靠自身的力量脱贫,形成脱贫致富的长效机制。”从文艺创作的社会效益来看,《血手印》确实达到了这样的高度和深度。

《红手印》的成功演出,为艺术创作如何实现革命现实主义与革命浪漫主义的完美结合提供了借鉴。《红手印》告诉我们,要达到这样一个至高境界,必须坚持以人民为中心的创作导向。习总书记在关于文艺工作的讲话中指出,人民需要文艺,文艺需要人民,文艺要热爱人民,“能不能搞出优秀作品,最根本的决定于能否为人民抒写、为人民抒情、为人民抒怀”。回味话剧《血手印》的每一个细节,从人物性格塑造,到戏剧矛盾冲突,再到人物的言谈举止,无一不渗透着对人民群众脱贫致富的公仆情怀。

57个小手印,留住村民们十分信赖的驻村,是一件真实的事情,是生活的真实;《红手印》中,编创人员把它上升到艺术的真实。主人公解国良的一言一行,处处闪烁着全体员共有的崇高品质。解国良把群众的利益放在第一位,对党组织交给的任务倾心尽力,呕心沥血。然而,他又是一个普通的员,剧中没有把解国良塑造成万能的救世主,而是厚道朴实、说老实话办老实事做老实人、一心扑在精准脱贫工作上的先进分子。在脱贫攻坚战斗中,他并不是一帆风顺的,也没有呼风唤雨的本领,也常常走弯路。比如,因为没有调查研究就挖鱼塘而前功尽弃;为帮助贫困户把自己的钱和物品献出来,却助长了某些人等靠要思想滋生,等等。然而,他有一颗一心为民的挚爱之心。他能汲取教训,倾听群众呼声,不断探索,不断修正自己,终于找到了让村民脱贫致富的路子,使新扎木的精准扶贫,由单纯救济转向对贫困人口扶志扶智的轨道。这期间,也深深感动了新扎木曾经给他设坎、挖壕、制造困难帮倒忙的村民,他们写了请愿书,并按下57个鲜红的手印,挽留解国良继续担任新扎木的驻村,完成尚在进行中的脱贫攻坚任务。整个艺术处理过程,自然、可信、流畅,毫无造作之感。

艺术真实的升华,也没有给观众留下口号、标签式的印象,更没有给人无限拔高主要人物的感觉。故事发生地,一个名叫张栓锁的村民,在散场后激动地对现场采访的记者说:“这个剧演得很真实,这演得就是我们农村嘛,每一幕都是驻村干部每天工作的状态,确确实实人家就是这样做的,我也希望每一个地方都能够有像解书记这样的人,发挥他们的力量来为我们农民做点事情。”老百姓的评价是最真诚的,现实主义与浪漫主义完美结合,所产生的艺术魅力,在这里得到了生动的印证。

《红手印》的创作演出,从主办的领导机关,到实施具体工程的演出单位,再到众多的演职员,都倾注了大量的心血,属于任务性、公关性文化工程项目。因此,在整个编创过程中,集中了更多的智慧,集结了更优秀的演出力量,加上邀请到了上海戏剧学院、上海话剧艺术中心的专家实地指导,让这部主旋律作品得到完美呈现。同时,每一场演出,都要广泛征求各个层面观众的意见,反复打磨,随时修改,无论是主题思想的提炼,还是现代艺术手段的运用,都做到了精益求精,一丝不苟,才达到了融思想性、艺术性和观赏性为一体的高度,从而把脱贫攻坚重大主题体现在日常生活之中,以饱含深情的基调,唱出了激越的盛世高歌。导演占德热多次表示,这部剧在创作手法上,将现实主义与象征主义相结合,用喜剧、幽默元素作为粘合剂,演绎真实中的荒诞、现实中的象征,希望通过这样的表现手法,让更多观众找到认同感。可以说,他们的初衷已经得到较为完美的体现。

目前,《红手印》仍在自治区各地巡演中,我们深信,随着时间的推移,这部充满正能量的艺术精品会越来越精彩,越来越深入人心。

话剧《红手印》以自治区派驻察右中旗扶贫干部、阿令朝村、“北疆楷模”解良同志为原型,刻画了扶贫干部对群众质疑、家人误解和种种难题,依然克服艰难险阻,一心为民、因地制宜、科学规划,最终带领村民走上产业脱贫道路的感人故事。《红手印》强烈表达了全区广大扶贫干部和农牧民群众在党中央的坚强领导下,打赢脱贫攻坚战的决心和信心,再现了内蒙古各族党员干部在精准扶贫过程中,与基层群众心连心的暖人故事,讴歌了扶贫干部舍小家为大家,勇于担当、任劳任怨、无私奉献的崇高精神。

话剧《红手印》是由自治区党委宣传部组织实施的“青年文艺拔尖人才培养计划”扶持项目。该剧由自治区文化和旅游厅、民族艺术剧院共同创作完成。

2019年3月4日,自治区党委宣传部正式下发《关于组织扶贫题材话剧红手印赴基层进行巡演的通知》,开始在区内各盟市贫困旗县巡回演出。《中国文化报》《光明日报》《内蒙古日报》、内蒙古电视台、乌兰察布市电视台、《乌兰察布日报》、巴彦淖尔电视台、《巴彦淖尔日报》以及所到旗县新闻媒体都广泛作了报道。做到了中央、自治区、盟市、旗县四级媒体宣传,电视、纸媒、网络联动,穆纳里蒙汉文结合,广泛宣传了文艺作品在脱贫攻坚中智志双扶的独特作用,也使得各族各界干部群众在观看《红手印》中凝聚了力量,提振了精神,以更加有力的脱贫举措来表达必将战胜贫困的信念和决心,收到了良好的社会效益。

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冯磊的书法欣赏

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冯磊认为书法艺术欣赏是人们根据一定的审美意识对具体的书法作品的领略和赏玩,通过对书法作品的反复观察、体悟、琢磨、想象,从而领悟出艺术美的真谛过程。在这一过程中只有不断地发现美、感知美,提高自己的艺术素养,从笔画线条的艺术性和具体的合理性入手,对字的章法、笔法、结构等方面进行深入的分析,并在长期的实践中去体悟、去领略,由浅入深,由形而意,由此及彼,触类旁通,才能提高书法艺术的欣赏水平。不同于绘画,中国书法它是中国独有的东西、是国粹、是国魂、是五千年华夏文明的神奇产物。

冯磊认为中国画是中华文化的一个重要的艺术形式,而且是有浓郁民族特色的艺术样式。中国画的历史源远流长,中华文明没有中断过,中国画的艺术一定也会源远流长。和其他国家的画艺术有所不同的是,象征主义画派中国画秉持的文化哲学理念本身就是人与自然的和谐、“天人合一”的理念,这跟党中央、国务院提出的“构建和谐社会、构建和谐世界”的理念是完全吻合的。

中国画艺术观察世界的方式不一样,中国画秉持着“人与自然和谐”的文化哲学理念,俯仰天地,品察万类,抒情畅意,以中国笔墨材料诉诸妙在似与非似之间的物象造型,追求作品的气韵生动和意境格调,并且在与观众交流互动的过程中达到得意(他的意思得到了呈现)、观众会意(画家的意图给了观众,观众能够接受)的审美效果,达到这样一种互动的效果。

另外就是运用不一样的艺术理念,不一样的色彩语言,不一样的视觉图式来呈现同一个世界,同一个主题,同一个梦想。通过把192个国家的各自不同的图形连起来,成为联合国一个比较壮观的画卷,它的主题易于被各国观众接受。由于中国画创作介乎是与非是之间,既不同于西方古典主义绘画那种非常精细、照相似的再现形式,也不同于西方当代的一批抽象形式,所以它的特有形式易于观众和同行理解。

中国画特有的笔墨语言虽然跟西方绘画的这种色彩调性不一样,但是它始于实,从写实起步,止于虚,就是有一个界限,不完全是抽象的;与西方当代绘画中间的新写实主义、具象表现主义、印象主义,甚至象征主义的观念是完全相同的,或者是异曲同工的。它注重绘画性、书写性和作品的意境、比兴象征意味。所以我想中国画和西洋画应分属不同文化体系的两类高端艺术。相信中外观众应该是心有灵犀,能够分辨良莠高下的。

致敬中国脊梁马刚画笔下的杰出科学家肖像艺术展北京开幕

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人民网郑州10月13日电(宋芳鑫)10月12日下午,由人民日报社神州书画院主办,河南省文化馆承办,郑州报业集团、北京文化产业商会协办的“致敬:中国脊梁 马刚画笔下的杰出科学家肖像艺术展”在人民日报社神州书画院开幕。中央文史馆馆员、国务院参事室新闻顾问赵德润,北京画院国家一级画家赵志田,人民日报社党委副书记陈国华等有关人士共同见证画展开幕。

神舟号飞船、载人航天事业,北斗卫星导航的运行、大飞机的研制、航母的制造、中国天眼…70年来,中国大地发生了翻天覆地的变化,一批重大创新成果不断涌现,动力学艺术有力地推动了中国社会的发展进程。马刚认为,这些创新与发展离不开科学家、尤其是“两弹一星”的元勋、各领域研究专家的辛勤付出,他们是中国的“脊梁”。为了让大家铭记这些为国家发展作出贡献的科学家,献礼新中国七十华诞,马刚选择了70人创作了70幅人物肖像作品,并通过肖像展的方式集中展出,为科学家画像、为时代立传、为时代明德,给世人精神上的洗礼,使人永远铭记。

为创作科学家肖像,马刚准备时间长达两年。看传记、搜新闻,谨慎选择创作对象。最终走上马刚画纸的科学家有中国导弹之父钱学森、中国氢弹之父邓稼先、中国探月总设计师孙家栋、中国卫星专家王希季、物理学家钱三强、核物理学家朱光亚、空气动力学家郭永怀等;还有各行业涌现出的专业人材:获得诺贝尔医学奖的第一位华人科学家屠呦呦、中国战略科学家“高温合金之父师昌绪、中国血液学专家王振义等。

作为河南首位在人民日报社办个展的画家,马刚的创作实力有口皆碑。为了不断推陈出新、突破自我,马刚在此次展出的作品创作手法上,采用了素描、水粉、油画等多艺术手段结合的形式,小处真实、大处写意,并根据不同人物的精神、气质而采用不同手法创作,生动、艺术、传神地再现了科学家的面貌特征及精神风貌,令人深受艺术的震撼。

人民日报社神州书画院院长刘君慧介绍,在庆祝新中国成立70周年的众多展览中,马刚是唯一一个为70名科学家画像的画家,也是第一位走进人民日报社举办个人展览的河南画家。神州书画院作为代表人民日报社的艺术机构,肩负的使命就是继承、保护、传承具有时代意义的艺术作品。用艺术和美为社会无私的奉献者谱写赞歌。马刚用画笔记录这些科学家,就是记录幸福、记录伟大的时代。

展览现场,观众有的驻足细细欣赏画作,有的举起手机一张张拍摄,还有母亲带着女儿边看边讲解,“中国脊梁”的真实故事和无私精神,发挥出动人心魄的感人力量。

据悉,此次展览展出至10月26日,画展结束后,马刚将向这些科学家及其后人无偿捐献出自己精心创作的作品,用自己的实际行动向科学家们表达最崇高的敬意。

8600万亩小麦颗粒归仓,今年又是一个丰收年!近年来,河南粮食连年丰收,总产量稳定在1300亿斤左右。全国1/10的粮食、超过1/4的小麦均产自这里,“粮仓”实至名归。……

在某视频平台的“打卡”榜上,洛阳高居榜眼。华灯璀璨的应天门、别具一格的九州池、古今辉映的洛邑古城,这些“网红”地标成了洛阳新的旅游名片。……【详细】

俄罗斯绘画作品展在滨州市文化馆开幕

)7月11日上午,由滨州市文化和旅游局主办,滨州市文化馆、滨州市美术馆承办,原著文化工作室协办的“深沉的伏尔加河?俄罗斯绘画作品展”在滨州市文化馆开幕。此次展览共展出油画、版画及素描手稿一百三十余件,展期从2019年7月11日—8月11日。

滨州市文化和旅游局党组成员、象征主义画派调研员苏成玉,原市文化广电新闻出版局调研员、市美协常务副主席李玉泉,原市文化馆馆长、著名画家赵先闻以及社会各界美术爱好者参加开幕式。

2019年是中华人民共和国成立70周年,滨州市文化馆、滨州市美术馆广泛联络各协会、学会等群众团体,积极挖掘、整合优质文化艺术资源,践行公共文服务职能,策划“深沉的伏尔加河/俄罗斯绘画作品展”。穆纳里此次展览共展出油画、版画及素描手稿一百三十余件,展期自2019年7月11日—8月11日。

据介绍,此次展览的作品全部由北京原著文化提供,时间跨越半个世纪,基本呈现了二战后苏联、俄罗斯美术史上典型的社会主义现实主义、印象派、严肃风格、象征主义、表现主义、唯美主义等主要风格流派,其代表画家如莫伊谢延科、雅勃隆斯卡娅、弗明、马克西莫夫、特卡乔夫兄弟等众多著名艺术家的作品。

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现实主义画派巨匠——梅尔尼科夫作品(油画篇)

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安德烈·梅尔尼科夫(1919-2012),世界当代画坛顶级的艺术大师,现实主义画派巨匠,俄罗斯油画大师。俄罗斯艺术科学院副主席、院士,人民艺术家,列宾美术学院教授,他曾多次获前苏联国家斯大林奖金和勋章,并获得了国家艺术最高奖——列宁奖章,获得前苏联人民艺术家称号,美术界公认的艺术泰斗。

梅尔尼科夫早年毕业于列宾美术学院并留院任教,1946年创作的《波罗的海海军誓言》是他的成名作。梅尔尼科夫所具有的绘画天赋,特别是在表现性的写实绘画风格上的创新,使他在战后俄罗斯画坛崛起,成为俄罗斯画派的领军人物。

1950年,他的《在和平的田野上》这时正值第二次世界大战结束不久,是人们对和平生活的重建充满向往的年代。梅尔尼科夫以清纯、明丽的色彩,描绘了俄罗斯北方割草季节大自然的绮丽风光,梅尔尼科夫获得了文艺界最高荣誉的斯大林文艺奖。

1957年《觉醒》以明快的节奏与丰富的色彩对比,刻画了肤色、衣衫各不相同的人物形象与谐和的热烈气氛,这是他将纪念性壁画形式运用于独幅架上绘画的成功尝试。

60至70年代,他继续在这方面进行探索。他以 青春和生命 为主题,创作了一组形式新颖而有很强表现力的作品《母亲》、《夏天》、《姊妹们》。这几幅看似风俗画而又不是风俗画的作品,画中没有具体的情节故事,描绘的是不同年龄段女性夏日里的生活。画中炽烈、活跃、流畅的色调,带有某种寓意,传达了人生、年华、生命、传承等人生哲理。

1977年,梅尔尼科夫以《告别》一画获得艺术科学院的大奖。此画是为纪念对德作战胜利30周年而作,描写的是二战期间母子告别的悲壮场面,特别对年迈的母亲复杂的心理状态的刻画,使《告别》具有莎士比亚式的崇高悲剧性,予人以心灵的震撼。她朴实、善良的形象,体现了人性本质的光辉。梅尔尼科夫把苏联时期的现实主义绘画艺术推向了一个新的高峰。其画风影响整个俄国画坛,并波及东欧及新中国。

70年代后期,取材于西班牙人民反法西斯斗争的三连画《科尔多瓦的十字架》《马德里的一场斗牛》和《加西亚·洛尔卡之死》,以寓意、象征的手法表现西班牙人民在苦难中坚强不屈的信念,和追求独立、自由、正义的民族精神。

梅尔尼科夫是一位抒情的画家,这种抒情气质尤其表现在他的肖像画和风景画中。肖像画一直是艺术家喜爱的题材,他画得最多的是他的亲人和朋友,他画他们不易觉察的微笑和惊、喜的神态,并用恰到好处的环境来加强对象的美,因此他的肖像画亲切动人,并富于诗意。

在风景画中,以色彩抒情是梅尔尼科夫的特长,他善于用丰富、饱满的画笔表现景物的特点。他也善于用夸张和变形,象征主义画派由于具有坚实的写实基础和熟练的古典技巧,所以他笔下的夸张和变形的人物显得很有表现力,是一位具有表现主义精神的艺术家。

平面性与立体性的结合、装饰性与纪念性的结合,是梅尔尼科夫油画创作的特点之一。他在平面处理中追求装饰性,在立体造型中追求雕塑感和纪念碑效果,打破了架上绘画和壁画的严格区别,在这两者的结合上,开辟了新的途径。

梅尔尼科夫钟情于古俄罗斯壁画和东方绘画,因此在色彩语汇上做了大胆的革新。他尤其擅于黑、褐、红、穆纳里绿等色彩的运用,也能巧妙地掌握色调的微妙变化,使色调有了丰富的呈现。

他自由地把厚涂和薄敷相结合,造成特殊的肌理效果,且有意识地把笔触和刮刀的痕迹,做为绘画语言的一部分,酣畅地以此传达自己的内心感情。

达仰:自然主义者

帕斯卡-阿道夫-让达仰-布弗莱(Pascal-Adolphe-Jean Dagnan-Bouveret,1852年1月7日1929年7月3日),是19世纪末法国自然主义代表画家之一。达仰诞生的1852年,早于库尔贝的现实主义宣言3年;逝世的1929年,即超现实主义发表第二次宣言之际。达仰的艺术覆盖了美术史上一个既丰富又复杂的时期,我们在其绘画中看到的演变,是与该时代紧密相连的。

在19世纪中叶之前,“自然主义”在视觉运动中并未形成一种风格,而是一种描述性概念,以此突出所具有的某些特征。1857年,卡斯塔纳里(Jules-Antoine Castagnary)说:“自然主义流派宣布,艺术唯一的目标是复现自然,表现自然的最大力量和强度。它是与科学平衡的真实。”卡斯塔纳里指出,历史上一切卓越的艺术都是自然主义的,他特别提到契马布埃、扬凡艾克和17世纪荷兰、西班牙的绘画。左拉(Emile Zola)在1868年沙龙评论的一章中,用“自然主义者”做标题,自然主义专指一种艺术流派自此产生。

达仰从小由外祖父母抚养长大。1869年,他拒绝前往巴西继承家业,而来到巴黎,幸运地成为柯罗的邻居,接受过柯罗不少指导和教诲。同年他进入巴黎高等美术学院卡巴奈尔的画室,普法战争后进入杰罗姆的画室。这是生活极其拮据的几年,达仰靠外祖父给的微薄的钱生活,这位外祖父对外孙的才华始终坚信不疑。达仰非常感激外祖父,成名后在自己的名字后面加上了外祖父的姓布弗莱。达仰从1875年开始在沙龙展出作品,1876年获得罗马奖二等奖,而后他前往好友库图瓦的家乡弗朗什-孔泰,专注于对日常生活场景的描绘和创作。如《意外事件》《古斯塔夫库图瓦在工作室》《对婚礼夫妇的祝福》等。他于1879年迎娶了库图瓦的表妹,《对婚礼夫妇的祝福》就是画家对自己婚礼的回忆。而在画家一生的轨迹中,也可以看到好友库图瓦的陪伴与影响。《古斯塔夫库图瓦在工作室》即是对当时生活的写实描绘。

达仰还得到过梅索尼埃和夏凡纳的教诲,他们都看出了年轻画家过人的才华。在沙龙上,达仰也迅速赢得公众承认,1880年,《意外事件》获沙龙一等奖,1885年《饮马》被国家收藏并获得荣誉军团骑士勋章。1884年好友勒帕热去世之后,留下的部分作品由达仰继续完成。1887年5月19日,达仰以530票的高票率当选沙龙评审委员会委员。1888年,他用国家给他的一笔奖金游历了阿尔及利亚。

1885年开始,达仰经常前往布列塔尼地区,这片土地给予他灵感,使他创作出一系列以布列塔尼赦罪朝圣为主题的作品。其中,象征主义画派《布列塔尼的赦罪朝圣节》为他在1889年巴黎世界博览会上赢得了一枚荣誉奖章。这吸引了许多艺术家19世纪末纷纷前往布列塔尼采风,创作一些同主题的作品,这其中就有高更、德尼以及其他纳比派画家。1891年,达仰被任命为荣誉军团军官。

1896至1897年间,达仰越发受到宗教题材的吸引,巨幅作品《最后的晚餐》于1896年在马尔斯香槟沙龙展出。1900年世博会,达仰的地位已经确立,给予他的殊荣是专门独辟一室展出他的作品及那届的世博会大奖。1900年10月27日,他当选法兰西美术院院士,是最年轻的院士之一。

达仰还接下了国家为奥德翁大剧院、巴黎市政厅、巴黎大学、巴黎法院向他的大量订画,其鼎鼎大名已越过法兰西的边界。在俄国,当特列恰科夫将《对新婚夫妇的祝福》纳入自己的收藏之时,这一巨大事件令该国的画家们激动万分;美国的弗利克于1898年购买的《以马忤斯的朝圣者》,画价高达10万美金,在当时是全世界仅次于米勒《晚钟》最昂贵的作品。纷至沓来的成就并未使画家审慎的良知熟睡过去,除非作品尽善尽美,否则不允许它离开自己的画室。

1879年达仰的《结婚照相》获得成功,画家表现出比照相机还更为完善的捕捉能力,所有同代人都不约而同承认它惊人的逼真。达仰意识到了纯技巧对于艺术的危险性,认为精致描绘表现出来的技巧性似乎最终只是达到了事物和现象的表面,除精确细节之外别无他物。意识到面前出现的新困难, 达仰变化了风格,他不再寻求捕捉事物的表面,而是极力去超越它,“深入到事物的灵魂之中”。随后,神秘的、充满诗意的象征主义倾向在达仰的画面上变得强烈起来。

维斯伯格在专著《伴随着印象派,自然主义在欧洲迸发》中明确提出,自然主义扎根于传统学院派,在开明的法国政府的扶持下产生和发展,直至影响到整个欧洲和美国,它在19世纪后期油画变革中的地位应当得到重新确认。这应该也是奥赛博物馆将自然主义画派等同于19世纪末学院派的原因。

从19世纪80年代开始,达仰和库图瓦在巴黎时尚郊区的塞纳河畔诺伊利(Neuilly-sur-Seine)建立了一个工作室。1920年,徐悲鸿在唐普特的下午茶会上得以与达仰结识,在关于自己留法经历的回忆里,徐悲鸿特别提到了这位老师。由于这段历史,达仰和贝纳尔一样,对中国现代绘画有着不容忽视的影响。

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“西西弗斯” 迷人的动力学沙绘图桌 艺术捕梦

艺术家Bruce Shapiro,以马达、磁力与移动的钢珠在砂堆上绘制出许多不同的图案,有点像日式的枯山水风格充满禅意,不过他的相关作品取名为Sisyphus(西西弗斯),意指无止尽的重复。

西西弗斯是希腊神话中的人物,因触犯了众神,诸神为了惩罚西西弗斯,动力学艺术便要求他把一块巨石推上山顶,而由于那巨石太重了,每每未上山顶就又滚下山去,前功尽弃,于是他就不断重复、永无止境地做这件事。

西西弗斯是希腊神话中的人物,因触犯了众神,诸神为了惩罚西西弗斯,便要求他把一块巨石推上山顶,而由于那巨石太重了,每每未上山顶就又滚下山去,前功尽弃,于是他就不断重复、永无止境地做这件事。

“在我的艺术里,西西弗斯是一个动感雕塑,通过球推出沙画,反复创造和擦除美丽的图案。看着西西弗斯唤起了人们沉思的感觉。”Shapiro说。

他已经创造了西西弗斯雕塑近20年,并在瑞士,德国和澳大利亚都设有3米直径的永久性设施。

西西弗斯结合茶几设计,在平时生活中可以坐下一边聊天喝茶,一边慢慢欣赏强化玻璃底下的变化,搭配灯光与音乐,家里也有充满禅意的艺术气氛啊。

“它是一个工具。作为一种乐器播放歌曲,西西弗斯扮演路径。我的目标是让这个西西弗斯进入人们的家中,让他们享受这个既是家具又是艺术品的工具。而且,说不定还能激发社区的作曲家写“音乐”吧。”

“什么样的音乐传送到你的耳朵,西西弗斯将传送到你的眼睛。”这是夏皮罗形容他的迷人的动力学咖啡桌。

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现代艺术的艺术价值与影响

我国传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌。有着几千年的积累,都是伟大的创造,是五千年文明古国深厚的文化底蕴。这既是中华民族的宝贵财富,也是全人类的宝贵财富。我国传统艺术以其浓郁的乡土气息,淳厚的艺术内涵和生动的历史痕迹,越来越受到世界人民的喜爱和欣赏,成为人类共同的文化“大餐”。产品设计与传统艺术之间存在怎样的联系:概括地说,传统是文化的伴生物,是历史对文化的认可。随着垒球经济的一体化,世界各国文化交汇,碰撞,融合,使当代文化产品呈现出异彩纷呈,多姿多彩的繁荣景象。传统艺术与古人生活融洽,和谐,而这些,正是中国当代产品设计所缺乏的。对于当代产品设计,科技进步所带来的技术手段的革新,无不对产品设计的发展起着巨大的推动作用。然而各民族传统艺术的审美观对于本民族的设计发展也起着巨大的影响。

中国传统艺术应该是一种建立在中国文化和东方生活方式基础上的,并适应中国在垒球经济发展趋势方向的产品整体形象,挖掘中国文化中的精髓,并顺应世界经济技术发展的时尚审美设计潮流,建立起适合创造和维护这种形象而进行设计的体制和环境。穆纳里是塑造我国传统艺术风格产品的关键。当然传统艺术在产品设计中的应用应该是建立在中国传统文化基础上的,离不开文化的支撑,那种符号化和表面化的中国元素并不能完全表现出传统文化的深厚底蕴,也未必能带给产品真正的“灵魂”。毕竟这些元素不应该仅仅体现在产品的外观上,整个生产,制造,消费以及使用体验的过程都应该感受得到中国文化的存在。“只有当人有了深刻的认识,设计才得以成立”。有的含义要深藏于产品之内,给受众一个可以想象、体会的空间。

中国传统艺术审美对于产品设计而言指的是思想、观点、行为模式,价值和各种抽象事物。各民族传统艺术一直是设计界瞩目的话题,这源干文化与设计不可分割的联系。设计是将精神体现到产品之中的过程,它将理念转换成实体,并通过产品来改变人们的生活方式,而生活方式就是文化的载体。一切文化的物质方面,精神方面最终都会在人们的生活方式中得到体现。“实际不是一种技能,而是捕捉事物本质的感觉能力和洞察力。”所以说设计在为人们创造新的生活方式,实际上就是在创造一种新的文化。中国人有一种最简单,最规则、最平衡的心理趋势,所以我们的设计可用最单纯的外观来表现。这种设计一定是自然和毫无修饰的,在视觉上简浩,在技术上追求细腻,在文化上含有丰富的底蕴。好的设计在外观上要求针对不同消费群的产品要有其独特的特点,在单个产品设计上要简洁美观,在系列产品设计中要在变化中求连续。然而“简洁设计”的过程是复杂的,又是充满智慧的设计过程。设计人员需要付出大量的脑力劳动,“不能屈服于任何诱惑,必须抵抗很多东西”,才能设计出简洁、实用、时尚的产品。

好的设计一直强调产品的实用功能,要求设计人员从一个可靠的视角去设想人们和社会需要的东西,以一个消费者兼设计者的份充分考虑消费者的立场和环境后,寻找出更多新的功能性问题,创造出更实用、更有价值的产品,使产品更好地为人们服务。这就要求产品设计师应该在日常生活中,仔细观察,用心体验,寻找不足,提出疑问,解决问题,最终让产品的充满智慧和人性,让消费者健康地使用产品,达到产品与人的和谐统一。

传统艺术对产品设计的影响,事实上处处起着潜移默化的作用。以中国画为例,中国画的历史渊源可以追溯到远古时代,国画中确实蕴涵了中华五千年的文化、人生观、哲学观,无论写实,还是写意都使得代代有英才,但这些作为艺术作品,好像有许多珍贵的文化思想只是深藏博物馆里一样,广大的民众没有很好接触到这些艺术,还有一个很重要的地方就是没有把国画艺术在商业方面很好的利用、这还是传统文化和商业方面的结合问题,学国画就是画国画这种思维不能作为我们现代学艺术人的思想了,我们更多的要考虑到怎么使得他发扬光大。这些实际状况令我们担忧,因为国人在现代设计中有一部份已经完全抛弃了传统文化,不仅仅是淡化了传统文化。

相反,日本人却是吸收中国传统文化的精华,将日本漫画在我国漫画发展萌芽时期的这个空隙发展起来了,而且迅速的占领了我国的漫画市场,使得我们的国产漫画一下子被遗忘在角落里,中国漫画市场也基本被日本漫画所占领,漫画带来的直接经济效益就很大了。由漫画所带来的中下游产业链所衍生出的相关产品,这些不仅是我们在艺术文化方面的损失,更是经济的损失。日本原来的绘画艺术相对中国是落后的,能在空白的基础上发展到这种程度,他们的漫画表现手法还是值得我们去研究学习的,他们的漫画手法可以应用到我们当代设计的很多方面,如建筑设计手绘效果图的表现,当然还有工业产品效果图的表现,我们国画的技法更是值得我们做设计的人来潜心研究,使之被应用到当代设计的表达中。有些作品又把传统文化的东西与现代设计的新生事物结合起来,反观我们的国画艺术,其潜力是相当具有开发价值的。事实上,传统艺术与当代设计的结合把传统文化与现代设计有机的结合会创造出更好的效果。

产品设计具有鲜明的时代特征,它反映出不同人们的意识形态,物质生活水平和生产方式。现代艺术设计针对目标市场的顾客需求,充分考虑受众的审美观,文化习俗,生活方式,物质条件等因素,通过设计与传统艺术审美观的融合,创造出产品自己的文化品位。“呼吁文化自觉。希望大家能致力于我们中国社会和文化的科学反思,用实证主义的态度,实事求是的精神来认识我们有悠久历史的中国社会和文化”。从而以这种蕴含着传统文化的产品设计方法来被设计师及普通消费者所接受,
更多精彩尽在这里,详情点击:https://thekitchenfaucet.net/,穆纳里当然这也需要我们多方面的共同努力。虽然设计本身是不断发展的,但是在新的技术与意识观念冲击下会不断地更新发展,但其内涵和精神则是历史长期积淀的结果。

当代产品设计,把中国传统艺术审美观的精髓融合到西方现代设计理念中去,同时,这种相融并不是简单相加,而是在对中国传统艺术深刻理解的基础上的融合。可以说是一个很好的中国传统文化与现代设计实现完美结合的方式,正如日本设计理论家大智浩,佐口七郎曾说过“继承发展一切优秀的传统,不是溶于古物之中,而在于继承保全作为传统精神的创造者的理念,即为创造。体现了中国文化特有的审美意蕴,简洁明快,简练易懂,寓于当代产品设计中有强烈的视觉冲击力而不落俗套,得到了广泛的认同。

对于新的设计元素,我们要很好的把握。而传统艺术在现代设计中被很好的应用,不得不说是一件很好的事情,我们既能从传统艺术中找到设计灵感,甚至衍生出新的设计元素,这样就使得我们中国的传统艺术在新的时期得到了很好的利用,更使得我们的传统文化得到了好的传承,也使得我们产品设计者的设计思维更加活跃。这些来自传统艺术对当代设计的应用及影响,以及对人们设计思维的影响,作为一名设计师,如何的理解传统艺术与当代设计,如何应用传统艺术对当代设计的影响,这些是我们要思考的问题。